De quoi parle l’art colombien aujourd’hui ?

Avec la mort de Fernando Botero, survenu il y a quelques mois, on peut dire que, incidemment, a pris fin une façon de voir l’art qu’il défendait bec et ongles : la validité basée sur une style. Pour lui, les grands artistes de l’histoire ont toujours été reconnus précisément pour ce style qui, dans leur travail, est devenu l’exagération des volumes de leurs personnages, des objets, des paysages ; dans tout ce qu’il peint et dans ses sculptures. Leur graisse -même s’il détestait cette simplification- ils consolidèrent son style.

Cependant – et ce fut son éternelle discussion avec les artistes des générations qui lui ont succédé – l’art a pris d’autres directions où le style qu’il proclamait et qu’il proposait à chaque artiste de rechercher n’était plus un débat pertinent. Dans le monde… et ici, bien sûr.

Dans les années soixante et soixante-dix, le public et les critiques colombiens ont été confrontés à des œuvres dans lesquelles la calligraphie remplaçait l’image. Bernardo Salcedo (1939-2007) a réalisé des natures mortes dans lesquelles il n’y avait ni fruits ni légumes, mais plutôt leurs noms inscrits à l’intérieur de l’œuvre. Antonio Caro (1950-2021) a écrit le mot « Colombia » avec la même police Coca-Cola pour faire référence à notre identité, au fait que nous nous identifions davantage à la culture nord-américaine qu’à la nôtre. Feliza Bursztyn (1933-1982) réalise des sculptures qui bougent, qui produisent des sons. Álvaro Barrios (1945) distribuait des imprimés dans les journaux.

Dans les années 80, outre les artistes qui abordaient le problème de plus en plus visible du trafic de drogue, José Alejandro Restrepo (1959) s’est tourné vers la vidéo, et non plus vers la toile ou le papier. María Teresa Hincapié (1956-2008) a utilisé son propre corps pour créer de l’art non seulement dans des espaces artistiques, mais aussi dans des vitrines du centre de Bogotá. Rosemberg Sandoval (1959) était chargé de nettoyer soigneusement un habitant des rues à l’intérieur d’un musée.

À partir de la fin de cette décennie et au début des années 90, Doris Salcedo (1958) réalise des sculptures avec des portes, des chaises ou des chaussures de personnes disparues, de familles déplacées par la violence. María Fernanda Cardoso (1963) a présenté littéralement un cirque aux puces et des œuvres faisant allusion aux têtes d’hommes qui, après avoir été assassinés, servaient de ballons de football à leurs bourreaux dans la plus grande dégradation de la barbarie. Des actes de violence spécifiques, comme la prise du Palais de Justice, ont donné naissance à des œuvres d’art qui cherchent à générer de la mémoire.

l’art aujourd’hui

Sans aucun doute, les artistes continuent de remettre en question leur contexte. L’artiste Camilo Correa, 32 ans, a grandi dans le quartier Populaire 1 de Medellín et, au milieu des bandes criminelles qui sillonnaient la zone, il a découvert que le fusil Thompson était l’arme la plus utilisée par ceux qui voulaient imposer leur loi. . Les jeunes qui les portaient délimitaient le territoire : « Vous pouvez monter jusqu’ici ; Je ne réponds pas d’ici.” Les rues interdites, les espaces publics imprégnés de peur et l’absence de l’État ont conduit Correa à créer une œuvre d’art, un mur construit avec ces armes, mais ici en béton et pigmenté d’oxyde de fer rouge. Un mur qui laisse entrevoir ceux qui se trouvent de chaque côté mais qui empêche évidemment le passage. Une métaphore pour son contexte, mais aussi pour celui de tant d’endroits dans le monde qui connaissent la fragilité de ces limites où prévaut la violence.

Tout comme Correa a cherché à recréer son environnement dans plusieurs de ses œuvres, des dizaines d’artistes qui ont postulé à la Feria del Millón au cours de ces 11 années ont proposé la même chose sous des perspectives différentes. Daniela Acosta a réalisé une série de dessins de la salle de clinique où elle a été hospitalisée pour dépression pendant des semaines, revivant chaque élément du lieu, sa compagnie lorsqu’elle devait se faire face. Steefany González et Gustavo Carrillo, pendant la pandémie, ont littéralement peint en rouge la façade de leur maison, dans le quartier Los Olivos de Barranquilla, faisant allusion aux chiffons qui apparaissaient aux fenêtres de ceux qui avaient besoin d’aide. Seulement ici, ce geste d’une maison entièrement rouge, comprenant meubles, verres, casseroles, était plutôt un cri à l’abandon de l’État.

Harrison Tobón (40 ans) a dessiné avec soin les façades du quartier où il a grandi, à Puente Aranda, Bogotá ; mais Edward Rico (32 ans) entreprit également de réaliser des œuvres architecturales avec du sel, des bâtiments inachevés, les éléphants blancs, comme la couleur de ce sel liée à la malchance.

Pablo Adarme (47 ans) a recréé les façades des quartiers populaires sous forme de gâteaux crémeux trouvés dans les boulangeries du quartier ; tandis que Paula Abril (26 ans) se consacre à peindre ses souvenirs, ces lieux et objets qui la transportent dans son passé. Les villes et les paysages ont été très présents ces dernières années.

Environ 1 000 artistes postulent chaque année à la Million Fair, et un comité de sélection en sélectionne en moyenne 80. Durant ces 11 années, la photographie a occupé une place déterminante, du fait de l’usage des téléphones portables et des réseaux sociaux. Ces images ont cherché à recréer des lieux désaffectés, à mettre en valeur des détails architecturaux, des scènes quotidiennes dans les espaces publics. Instagram est involontairement devenu une sorte de laboratoire de photographie, parfois potentiellement artistique.

Mais on a aussi vu une montée en puissance du dessin, des artistes qui parlent de relations personnelles, de l’influence – bonne et mauvaise – de la technologie et aussi de la santé mentale. Les artistes continuent de remettre en question le monde dans lequel ils vivent, les conditions de travail, le changement climatique et les inégalités. Et le plus gratifiant, c’est que l’art conserve – presque toujours – sa puissance poétique. Tout comme dans les années 90, Oscar Muñoz (1951) fait son Portrait, où elle a littéralement réalisé un autoportrait avec un pinceau et de l’eau sur un sol chaud à cause du soleil et qui s’est évaporé en permanence pour ne jamais rester fixe, Daniela Briceño (27 ans) a réalisé pour Voltaje, la salle d’art et de technologie exposée à la belle, un tissu aux cheveux gris de sa grand-mère. L’air faisait flotter cette image blanche dans les airs, dans un espace totalement sombre, faisant allusion au passage du temps, à la vie qui refuse de se terminer.

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