Ruines, intérieurs (d’habitations marginales), cinéma et obscurité, amarres, démolitions : beaucoup de noms des séries du Colombien Fernell Franco se rattachent à la mélancolie et au dramatique, notions qui montrent leurs ombres et leurs significations dans les photographies de cet autodidacte. artiste, né en 1942 à Versaillesles, Valle de Cauco. Il avait huit ans lorsque lui et sa famille, harcelés par la guerre civile entre conservateurs et libéraux, ont dû traverser cette vallée située à 170 kilomètres au sud, vers les banlieues de la ville de Cali : des expériences qui l’ont marqué à jamais. Il ne se souvient pas avoir eu peur lorsqu’il était enfant, car l’horreur était quotidienne : dans sa maison, on disait quotidiennement que tel ou tel avait été tué, et il a lui-même vu comment un groupe sortait d’une salle de billard et massacrait des gars à coups de machette. Plus tard, en tant que journaliste pour des journaux Le pays et Journal occidental, bon nombre de ses reportages étaient axés sur la violence : « Dans les villes, c’était la guerre à ciel ouvert. Mon appareil photo était équipé d’un flash électronique. Il a marché sur les cadavres, a visé et a tiré. J’avais l’impression que l’éclair lumineux ne venait pas de l’appareil photo, mais plutôt de mon cerveau, comme si la scène n’était pas enregistrée sur le négatif, mais dans ma mémoire.
Bien des années plus tard, il se souviendrait avec horreur de ces massacres et du fait que certains journalistes aimaient photographier ces désastres. Il était courant d’enregistrer un massacre dans l’après-midi et de revenir précipitamment, d’enfiler une veste et une cravate et de prendre des photos de réunions sociales, d’événements, de fêtes. “On a grandi au milieu de tout ça et du coup il y a eu des gens qui s’y sont habitués et ont développé le goût de l’enregistrer”, raconte-t-il. « Quelque chose comme ça aurait pu arriver dans mon cas aussi. Je ne sais pas pourquoi j’ai toujours été différent, pourquoi tout cela n’a pas pénétré au point de faire de moi une personne cruelle. “Ce qui s’est passé dans l’environnement était capable de déformer un être.” Il n’existe aucune trace de ces photographies du début des années 60, car des copies et des négatifs étaient parfois brûlés dans les journaux, mais ces références initiatiques semblent pertinentes pour y jeter un coup d’œil. la vie est la ruel’exposition exceptionnelle de quelque soixante-dix photographies de Franco montée dans la galerie de la Fondation Larivière sous le commissariat de María Wills Londoño, dans laquelle vous pourrez voir quelques photos de chacune de ses séries De l’auteur. Il convient de citer ici la chercheuse et critique d’art colombienne María Iovino : « Les images de Franco dévoilent le rapport rigide et méfiant que l’on entretient avec le peu ou la quantité que l’on possède (selon la classe sociale) dans les pays en conflit ; l’instabilité dramatique par rapport au lieu où l’on vit ; le mystère, la superposition d’astuces et de solutions d’urgence qui cachent ce que la mémoire a enregistré ; et le sens sombre qu’une histoire marquée par l’asservissement des plus faibles et par l’extrême différence donne encore aux manifestations de la célébration.
“María a été avec lui pendant presque un an, elle est restée chez nous pendant plusieurs jours et elle a réussi à lui faire raconter beaucoup de ses expériences, qu’elle a ensuite organisées comme un long monologue”, explique Vanesa Franco, designer et universitaire. professeur, chargé de la préservation de l’œuvre de son père : il est venu à Buenos Aires pour accompagner l’exposition. « Mon père était très timide pour montrer son travail. Lorsque les conservateurs venaient le voir, il ne leur montrait qu’une ou deux photos », explique Vanesa. « María a été impressionnée par sa personnalité, elle lui a donné le temps de raconter ses histoires et elle a gagné sa confiance. Alors il a commencé à lui montrer ses affaires et María lui a dit : “Mais c’est un trésor, pourquoi personne ne l’a vu ?” Une énorme quantité de matériel est apparue. C’est alors qu’ils décident de faire une exposition simultanée dans six salles de Cali, ce qui est la grande reconnaissance qu’ils accordent à mon père avant sa mort.” L’exposition a eu lieu en 2004, année où Fernell est venu exposer au Centre Culturel de Recoleta, dans le cadre de la Fête de la Lumière. Cette année-là, il expose également pour la première fois, à Bogotá, sa série Attaché: “C’était difficile pour elle, parce que cela semblait très douloureux, mais María était fascinée et lui demandait ‘s’il te plaît, montre-le’, et elle a aidé à obtenir des ressources”, dit Vanesa. Les attaché Ce sont des colis enveloppés dans du tissu et attachés avec des cordes : l’emballage précaire des déplacés. Fernell évoque les malheurs de son enfance, mais il commence à les enregistrer partout : il fait même des portraits d’eux ligotés à Buenos Aires. “En travaillant sur la photographie d’objets inanimés, j’ai réalisé que cette façon d’emballer était aussi liée à la manière de lier et d’isoler la mort”, a-t-il déclaré. “En emballant le mort pour le couvrir, pour le mettre hors de la vue des autres.”
UN TRAVAIL EXPÉRIMENTÉ
La guerre et le déplacement de Versailles à Cali l’empêchent de terminer ses études. Le changement comprenait un autre élément : la transition de la nature et de la couleur du monde rural aux horizons limités et variés de la ville. Il y a eu la violence de la rue, mais il a aussi découvert le cinéma noir américain, le cinéma culte mexicain, le néo-relisme italien : il adorait ça, et même s’il rêvait de réaliser, il n’en avait jamais les moyens. À 14 ans, il doit travailler comme coursier et c’est ainsi qu’il rencontre les propriétaires d’un laboratoire de photographie sociale. “C’étaient des Italiens, des photographes venus de la guerre, plutôt bons, qui peu à peu lui ont appris quelque chose, ils lui ont montré des livres”, dit Vanesa. « Il était intéressé et c’est là que son voyage a commencé. Il a d’abord été photographe : on leur a donné un petit Leica pour prendre des photos des passants devant un pont, puis les leur vendre. Mais il était si timide que ça n’a pas duré longtemps. A cette époque, il gagnait également une partie de sa vie en jouant au billard. C’était formidable de voir à quel point il jouait bien dès son plus jeune âge. Bien plus tard, il allait développer la série Billard. Il a visité de nombreux billards à travers le pays pour prendre ces photos. Quand j’ai vu tout son travail, je me suis dit : ‘Papa est une sorte de reporter qui se connecte à l’art, et tout son travail est très expérientiel.’
Intéressé par l’art, la photographie et le cinéma, il réalise d’innombrables portraits : de Gabriel García Márquez, d’Andrés Caicedo, de son ami et plasticien Óscar Muñoz. Il s’implique progressivement dans un large cercle de contacts et intègre une agence de publicité. “Dans les années 60 et 70 à Cali, l’effervescence culturelle était formidable, il y avait des biennales de design, des cinéastes, des expositions, des écrivains, un mouvement de référence pour tout le pays”, raconte Vanesa. « En 1972, il réalise sa première œuvre d’auteur, qui est celle des prostituées : il adore le portrait, il vit un petit moment avec elles. Ma mère l’a accompagné et il lui a dit : « Tu dois rester dehors, sinon ils seront mal à l’aise. “Il a passé des jours et des jours jusqu’à ce qu’il obtienne ce qu’il voulait.” “En eux, j’ai cherché la vérité de la vie sans maquillage, même si elle était dure et violente”, a déclaré Fernell. « Ma recherche portait sur les choses communes, celles que l’on vivait quotidiennement dans la ville, celles qui se produisaient dans la vie des gens normaux. Quelque chose de différent du travail que je faisais dans la publicité et le mannequin. J’avais toujours connu les prostituées, je n’avais jamais cessé de les voir autour de moi, et donc le projet était aussi celui d’une récupération de mémoire. A Versailles, ils étaient près de la place centrale ; « À Cali, je les ai croisés dans le quartier. » Le quartier de La Pilota, dans le port de Buenaventura, était coloré et animé au début des années 60, mais dix ans plus tard, il avait presque disparu : Fernell prenait ses photos dans le dernier bordel restant.
Dans les années 80, avec les affrontements entre cartels de la drogue, Cali fut un séisme et la scène culturelle languissait. Fernell y a continué : la série remonte à ces années-là Démolitions. Dans la galerie sont exposés des exemplaires uniques, des collages, des tirages à la gélatine argentique, peints à la main, avec divers matériaux. “Les gens pensent que cela se fait par ordinateur, mais ici, par exemple, il y a des crayons de couleur, et ici il y a de la peinture à l’huile”, souligne Vanesa en montrant les zones d’un portail métallique cassé d’une maison condamnée. Fernell s’intéressait à photographier le simple, même si ses interventions témoignent de beaucoup de connaissances et d’expérimentation. « En plus d’être un grand photographe, il était un grand chimiste », explique Vanesa. « Elle produisait même ses propres produits chimiques ; par exemple, il a développé une peinture à partir de ce qui coulait d’un pot corrodé. «Tout le temps, je cherchais, planifiais, créais.» Parfois, j’intervenais sur une photo, je la photographiais à nouveau et j’intervenais. Vanesa commente l’une des séries Billard: « Ici, il a pris la photo, l’a imprimée, a peint le tissu et le ballon ; Ensuite, il a collé la photo derrière une fenêtre que nous avions chez nous et l’a photographiée à nouveau. Il est comme un documentariste, mais en même temps il présente une vision de ce qu’il veut voir. Et il a dit qu’il était un garçon solitaire qui allait jouer pour survivre, et que là, il s’est rendu compte que beaucoup d’hommes seuls y allaient aussi. “Il y a beaucoup de gens seuls dans cette série.”
LA RÉALITÉ EN NOIR ET BLANC
Grâce aux efforts de María Iovino, fin 2005, l’Université Harvard et le Rockefeller Center ont récompensé Fernell. «J’étais heureuse, mais en janvier 2006, il est décédé», raconte Vanesa. Le prix consistait en une grande exposition aux États-Unis, qui ne put avoir lieu que trois ans plus tard, le temps qu’il lui fallut pour organiser une partie de l’énorme quantité de matériel. « Je ne me souviens même pas du nombre de pièces que nous avons cataloguées. Je me souviens qu’il y avait 36 000 négatifs. Des croquis, des boîtes, des piles et des piles de photos empilées ont commencé à apparaître. Je devais me consacrer exclusivement à cela. À l’autre bout du film, il y a peut-être certaines scènes dont elle se souvient lorsqu’elle était enfant et son père lui faisait attendre que le nuage qui passait s’installe à un endroit précis. « Une fois, nous devions être avec lui devant un lac, et il voulait que l’eau forme une forme spécifique contre le rivage : nous sommes restés là pendant environ sept heures. Avec l’impatience qu’on a quand on est enfant… Mais c’était amusant d’être avec lui.
Son prénom d’origine était Ferney : il le détestait, et c’est pour cela qu’il l’a changé, raconte sa fille. “Fernell Franco est l’artiste qui exprime clairement la situation d’un pays marqué par les problèmes qui découlent du colonialisme et de la violence humaine qu’ils instaurent”, a écrit Iovino. « Son histoire personnelle – qui se traduit dans ses images à travers de grandes abstractions – peut raconter l’escalade du conflit en Colombie. » Il aimait les photos en noir et blanc, même si la grande majorité étaient prises en couleur ; dans la vie est la rue Il y a une petite salle où joue la salsa et on peut voir la série Color Popular projetée : bus, bars, devantures, magasins, peintures murales, clients, portes. Une beauté. Fernell a déclaré : « Il me semble que la réalité est en noir et blanc et que la couleur génère la tromperie, qu’elle est un distraction qui brouille ce que l’on veut dire. Le noir et blanc nous permet de gérer la profondeur dans les choses les plus simples, car il oblige à comprendre le contraste le plus simple de ce qui est vrai. Depuis que je suis très jeune, il me semble que la couleur transporte la photographie dans le monde de Walt Disney, car elle lui donne le charme de la fantaisie et des exagérations.
la vie est la rue On peut le voir à la Fondation Larivière, Caboto 564. Du jeudi au dimanche, de 12 h à 19 h. Jusqu’à la fin août. Prime de cotisation : 1 000 $.
