La chanson que Punkteras Rosas, un petit groupe de punk ironique avec seulement 10 démos sur Bandcamp, a dédiée à Rigoberta Bandini gagne des auditeurs. Dans la chanson, qui dure moins d’une minute et demie, le punkas Ils accusent la chanteuse catalane de « ne pas être du peuple » et lui demandent de « cesser de chanter ou de se fiancer ». “Je ne veux pas de tout, laisse quelque chose pour le reste”, implore-t-il sarcastiquement l’auteur de Aïe maman. En substance, l’une des accusations les plus répétées contre les musiciens qui réussissent sur des scènes et des festivals soi-disant indépendants (et, en réalité, pas tellement parce qu’ils dépendent pour tout des marques et des multinationales) : peu importe à quel point ils défendent des discours progressistes, ils sont des gens d’origine riche et cela, d’une certaine manière, les discrédite.
C’est également arrivé avec Bad Gyal ou avec Diego Ibáñez, voix de Carolina Durante, qui en a tellement marre de parler de cette étiquette qu’il refuse gentiment de participer à ce reportage. C’est arrivé à BB Trickz. Egalement au chanteur de Maneskin. Et ce n’est pas un phénomène nouveau et cela ne se produit pas uniquement en Espagne. D’une part, déjà dans les années 80, les musiciens liés à la Movida Madrileña étaient accusés d’être des « enfants à papa », et les données biographiques sur les parents de personnalités aussi diverses que le Révérend Maître ou (la Marquise) Ana Torroja n’aident pas. pour le nier.
En revanche, cette tendance à retracer les origines des familles nobles ou riches sur Wikipédia (« Je peux parcourir tout Wikipédia / en cliquant sur les noms de tes proches », chante les Pink Punkteras à Rigoberta) se produit partout dans le monde et a une connexion avec les appels bébés nepo: des artistes qui ont hérité de la position de leurs parents au sein d’une certaine industrie, comme c’est le cas à Hollywood (quelque chose de moins courant dans notre pays, où les privilèges ont davantage à voir avec la sécurité économique ou les préjugés de classe). Quoi qu’il en soit, à mesure que les opportunités disparaissent ou se rétrécissent pour la majorité (des personnalités comme l’auteur-compositeur-interprète anglais Billy Bragg estiment qu’il est de plus en plus difficile pour un groupe de rock ouvrier de réussir), les privilèges des élites suscitent davantage de suspicion.
Bien sûr, même si nous comprenons tous que certains commentaires sont une simplification qui relève davantage du mécanisme des réseaux sociaux (ou de ressentiments collectifs) que d’humiliation personnelle, et même si ceux qui les émettent avec une attitude boiteuse reconnaissent généralement que Ce qu’ils censurent, ce sont les discours, les opinions ou les positions, et non l’origine de qui que ce soit ; On pourrait se demander dans quelle mesure il est logique de tenir quelqu’un pour responsable de l’environnement dans lequel il est né. Et, en allant un peu plus loin, quelle valeur a cette notion d’authenticité tant invoquée par ceux qui se plaignent de certains professionnels d’un domaine si étroitement lié à la fiction, au spectacle et au costume ?
Subversion et authenticité : un éternel conflit
Dans son essai La musique, une histoire subversive (Turner, 2020), le critique et musicologue Ted Gioia défend que la musique populaire, toujours et dans toutes les sociétés à travers l’histoire, a été pleine de « références sexuelles explicites, de célébrations de la violence, d’allusions à des états mentaux altérés (qu’ils soient produits par des stupéfiants ou des visions chamaniques). ) et à la magie, à la superstition et à d’autres choses inconvenantes » et, par conséquent, cela a été pour le moins inconfortable pour tout pouvoir organisé. Un peu plus tard, Gioia lui-même explique que lorsque l’enregistrement et la diffusion de certains genres de musique populaire ont donné naissance à toute une industrie, ses dirigeants se sont trouvés confrontés à une contradiction fondamentale qui a commencé à se manifester dans les années du country, du blues et du gospel et qui est restée dans force pendant les décennies du rock et du hip-hop : « Pourquoi la musique a-t-elle forcé les chercheurs de talents à voyager dans des localités extrêmement humbles et dans des environnements pauvres, ruraux et méridionaux pour trouver de nouveaux styles et genres innovants ? C’est le dilemme de ceux qui dominent l’industrie : ils recherchent des sons nouveaux et excitants qui ébranlent le système, mais ils sont le système », conclut l’auteur américain.
“Aujourd’hui, le terme musique populaire peut désigner à la fois la musique destinée à tous les publics et la musique populaire qui appartient au peuple, presque sans auteur et qui se transmettait autrefois oralement”, ajoute Derek V. Bulcke, artiste sonore et chercheur murcien. derrière Flamante, un projet flamenco-noise. « Ces dernières, partout dans le monde, ont appartenu à des peuples historiquement opprimés et offrent une liberté qui est aussi un mécanisme de survie. Il véhicule la liberté sexuelle, la rage et une capacité presque mystique à développer une identité. Le conflit survient lorsque le système absorbe ces codes pour les transformer en quelque chose à vendre et que nous continuons à appeler cela de la musique populaire. C’est ainsi qu’apparaît cette dualité : même si la musique populaire n’est plus toujours révolutionnaire, il existe toujours un terreau d’origine subversive.
La question de l’authenticité, liée aux origines du musicien, mais surtout à son attitude et à sa manière de défendre un sujet, a aussi beaucoup à voir avec ce débat. Carlos Galán, fondateur et PDG du label Subterfuge, estime qu’il est logique d’en parler car ce n’est pas un concept vide de sens : « Le mot d’ordre d’une composition reste cela, peu importe à quel point spectacle et fiction se mélangent. L’authenticité de l’interprétation fait toujours partie de la valeur d’une chanson. Concernant les commentaires les plus controversés sur certains artistes, Galán est direct : « Que quelqu’un soit chic ou non, ou s’il puisse parler de certains sujets ou d’autres selon le secteur social dont il est issu, est une question très délicate. Il est évident que, dans des exemples extrêmes, comme le Sonido Caño Roto des quartiers, avec Los Chichos ou Los Chunguitos, cela avait du sens car ils étaient leurs racines et il aurait été très étrange que quelqu’un du Barrio de Salamanca fasse mais au final, “Si vous savez transmettre de l’authenticité ou de la personnalité dans vos interprétations, l’appellation d’origine de l’artiste ne devrait pas être pertinente.”
Bulcke n’est pas si clair, et il a vu comment certains codes, lorsqu’ils atteignent un public de masse, se cristallisent et génèrent une esthétique superficielle. Il donne l’exemple du punk et piège: « Il devient possible de faire du punk sans attitude punk, ou de lancer un son piège aucune attitude piège. Si quelqu’un prend le train cinq ans après que quelque chose le dérange, comme cela se fait dans certains milieux riches ou universitaires, il n’y a pas eu de processus organique ni d’évolution naturelle et je comprends que cela dérange ceux qui sont là depuis le début. Surtout parce que, pourquoi ne pas le dire, pour certains groupes sociaux, leurs formes d’expression artistique sont sacrées. « Même si la copie, le pastiche ou la référence peuvent enrichir votre travail et sont des symptômes de contemporanéité », poursuit Bulcke, « lorsque vous vous appropriez un élément culturel, vous devez tenir compte du groupe ou de la personne dont vous le prenez. Il s’agit de l’origine de quelque chose qui n’est pas rendu invisible par des vues ou des lectures intéressées, comme ce que le régime franquiste a fait avec le flamenco ; Y parvenir est un acte de résistance et une responsabilité à la fois de l’artiste et du public.
La création : à qui appartient l’apanage privé ?
Un estudio de 2022 llevado a cabo por varios sociólogos británicos demostraba que las industrias creativas no son una excepción y que el proceso generalizado de pérdida de movilidad social (esa que permitía, mediante los estudios o la carrera profesional, ascender de clase) también afecta a les artistes. Bref, à l’heure actuelle, seuls 8 % des Britanniques exerçant des métiers créatifs sont nés dans des familles populaires et « les opportunités d’obtenir un emploi créatif sont réparties de manière très inégale en termes de classe ». La situation est similaire dans toutes les économies développées et touche aussi bien les musiciens que les écrivains ou créateurs de toute sorte.
Yaiza Berrocal est scénariste, dramaturge et auteur de Curling (Hurtado & Ortega, 2022), un roman sur un ouvrier d’opéra qui traverse des dizaines de situations délirantes au cours de sa vie professionnelle. Berrocal s’est toujours intéressé au rapport entre travail culturel et classe et a beaucoup réfléchi à ce sujet : « Les contacts sont essentiels dans tout secteur qui mise sur le capital symbolique, et la culture l’est », explique l’auteur. « Mais il existe aussi une tranquillité fondamentale : ce coussin émotionnel qui vous permet de ne pas continuellement remettre en question votre position dans le monde. Bien sûr, le temps est important, c’est pourquoi la première exigence que nous devons formuler en faveur de la culture est de lutter pour elle, de nous libérer du travail salarié. Mais il y a aussi une question d’imagination et d’attente. Comment la classe dirigeante s’imagine et ce que nous pouvons imaginer de plus de la classe ouvrière.
Cette dernière question rejoint le débat sur le musicien aisé qui, d’une certaine manière, occuperait ou usurperait des espaces qui ne lui appartiennent pas, et a été abordée de manière identique pour la scène littéraire et son circuit de discussions et conférences : « Je vois des athénées libertaires et des librairies coopératives inviter des auteurs issus de l’aristocratie la plus rance qui cachent leurs origines et leurs conditions matérielles et qui n’ont fait aucun exercice de critique ou de déconstruction de leur place dans le monde », observe Berrocal. « Le problème n’est en aucun cas la classe sociale dans laquelle vous êtes né. Vous ne choisissez pas cela. L’enjeu est la prise de conscience de votre lieu d’énonciation, de l’exploitation des autres sur laquelle elle repose, et des actions que l’on entreprend pour en assumer la responsabilité et la changer, et non la perpétuer. Cela signifie cesser de prendre des espaces et de faire de la place aux voix sous-représentées, mais, surtout, réaliser qu’il est temps d’arrêter de penser que l’expérience des classes supérieures séduit le reste d’entre nous.
Ainsi, au-delà de quelques débordements en Ils pourraient servir d’échappatoire ou d’outil de transformation sociale pour les classes populaires. Berrocal est très direct à ce sujet : « Appeler quelqu’un de chic à quelqu’un de chic est une obligation de citoyen. » Parallèlement, d’autres auteurs, comme le sociologue César Rendueles, affirment dans nombre de leurs textes « que tout ce que nous identifions à l’art et à la culture n’est pas si souvent le reflet immédiat des goûts des classes supérieures ou des rayons des supermarchés ».
D’ailleurs, que se passe-t-il avec le processus inverse, celui qui se produit encore de temps en temps et qui peut amener des artistes venus d’en bas, c’est-à-dire du quartier, à finir par être considérés comme des « traîtres » ou des « vendus » ? pour le vôtre ? Bulcke répond : « Il y a une grande différence entre se vendre et se laisser acheter. Vendre, ce serait adapter votre musique pour qu’elle soit plus commerciale et puisse toucher un public plus large. Pour moi, dès qu’on laisse l’art de côté et qu’on devient entrepreneur, on commence à perdre du potentiel et de l’intérêt. Mais d’un autre côté, recevoir de l’argent pour son travail, essayer d’en vivre dignement et aussi rendre digne le travail de son équipe et de son entourage, me semble être un accomplissement. Une partie de la subversion consiste à être dans le système pour faire ce que vous voulez. Il est logique d’être dans le système, mais de ne pas baser la construction sur ses exigences. Donc : ne vendez jamais ; “laissez-vous toujours acheter.”
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