L’artiste Frank Stella, précurseur du minimalisme, est décédé à 87 ans | Culture

Le peintre Frank Stella, figure marquante de l’art américain d’après-guerre, notamment avec ses premières œuvres minimalistes, est décédé ce samedi à son domicile de New York, à l’âge de 87 ans, des suites d’un lymphome, selon des informations. Le New York Times. Malgré l’insistance des critiques, Stella a refusé d’interpréter son travail avec une phrase célèbre : « Ce que vous voyez est ce que vous voyez ».

Nacido en 1936, en Malden, Massachusetts, hijo de Frank y Constance Stella, él ginecólogo y ella pintora paisajista, comenzó su carrera con pinturas sobrias, algunas con poco color y sin pretensiones de brindar un estímulo visual, lo que contrastaba con el expresionismo abstracto de l’époque. Ses premières œuvres comprenaient une série de peintures utilisant la technique fines rayures (œuvres de grand format avec de fins traits noirs sur toile blanche) qui ont fait sensation dans le monde de l’art américain.

« Il a été l’un des premiers artistes américains à avoir été formé à l’abstraction et, par conséquent, à s’y développer et à y progresser de manière naturelle, sans aucune conversion traumatisante », écrivait le critique Francisco Calvo Serraller dans ce journal en 2012.

Avant l’âge de 25 ans, Stella était déjà reconnu comme l’un des grands artistes américains et sa carrière s’est étalée sur six décennies. Après avoir obtenu son diplôme d’histoire à l’université de Princeton, le jeune artiste ouvre son studio à Manhattan, où il commence à travailler sur ses peintures aux tons sombres. “Tout te semble vivant et fabuleux quand tu es jeune”, a-t-il déclaré dans une interview accordée à ce journal à l’occasion d’une rétrospective à l’IVAM de Valence en 2012. “Ce qui est bien à cette époque, c’est qu’il y avait en fait peu de nous. On pouvait rencontrer tout le monde, des gens ayant des intérêts communs se réunissaient. Le monde de l’art n’était pas très grand. Aujourd’hui, c’est totalement différent, il y a d’innombrables artistes, galeries, musées, expositions.

Des peintures noires à la couleur

Merci à votre série Peintures noirespeintures à grande échelle constituées de rayures sombres à peine séparées par des lignes de toile non peintes, ont acquis leur célébrité en s’opposant au courant de l’expressionnisme abstrait dominant dans les années 1950. Elles ont été reçues comme un défi à la tendance dominante, représentée avec beaucoup de poids par Pollock ou De. Koonig, et furent décisifs pour la naissance du minimalisme.

« Même si Stella était très consciente de l’ampleur de l’apport de l’expressionnisme abstrait en général, elle ressentait le besoin de faire autre chose, quelque chose comme ce que Jasper Johns et Rauschenberg avaient déjà entrepris – la conversion de la peinture en objet – mais de manière égale. manière plus radicale », écrit Calvo Serraller. Quatre de ces œuvres figuraient dans la désormais légendaire exposition de 1959. Seize Américains au MoMA de New York, une exposition collective à laquelle Stella était la plus jeune participante, tout en organisant également sa première exposition personnelle à la galerie Leo Castelli.

Stella lui-même n’était pas claire sur sa réaction à l’expressionnisme abstrait, comme il l’a admis dans ce journal : « Je ne pense pas que la mienne était une réaction contre l’expressionnisme abstrait », a-t-il expliqué. «J’essayais juste d’être aussi direct que possible. J’essayais de trouver quelque chose de plus proche de mon sens de conscience. Sans filtres. Pas de drame ni d’anxiété. Quelque chose d’immédiat et qui provoquerait un impact. Et en même temps, cela a été compris en premier. « Compréhension visuelle instantanée. »

Par la suite, le peintre connaît un changement de registre et durant les années suivantes il se tourne vers les œuvres colorées, si caractéristiques de son œuvre, certaines toujours à rayures, d’autres à figures géométriques. Dans ces années-là, le bord dur (peintures dures) prévaut et l’artiste surprend le monde avec ses toiles façonnées, avec lequel il expose ses créations dans des formats fantaisistes, impressionnants et de plus en plus grands. Vers la fin des années 1960, il se lance dans l’ambitieux projet Rapporteur, une série de grandes peintures composées de demi-cercles superposés de couleurs vives. Ce changement de registre marque le début d’une activité presque frénétique (plus de 10 000 œuvres lui sont attribuées, et il pouvait travailler jusqu’à dix pièces à la fois). Plus tard, à partir de la fin des années 70, l’artiste se lance dans la réalisation de pièces tridimensionnelles : dites constructions baroques, chaque œuvre est plus complexe, plus riche et brillante que la précédente.

«Travaillant toujours de manière systématique, sérielle et consciencieuse, il est surprenant de voir comment Stella, sans renoncer à ses principes puritains, qui rappellent cette esthétique aseptisée de la peinture hollandaise, de Vermeer à Mondrian, a pu conduire au fantastique festival ultra-baroque d’œuvres picturales, si on peut les appeler ainsi, des pièces pyrotechniques glacées », a écrit Calvo Serraller.

En 1961, il épouse Barbara Rose, qui deviendra une critique d’art renommée. Le mariage dure jusqu’en 1969, date à laquelle ils divorcent. Dans les années 1970 et 1980, il se tourne de plus en plus vers des œuvres tridimensionnelles dans lesquelles il incorpore de l’aluminium et de la fibre de verre, avant de réaliser des sculptures monumentales pour l’espace public. Le MoMA de New York proposa des rétrospectives de son travail en 1970, puis à nouveau en 1987. Au cours des années 1980, Stella se laissa guider par la musique et la littérature, par exemple dans une série sculpturale inspirée de Moby Dickavec des formes si complexes qu’elles s’apparentent plus aux modèles architecturaux qu’aux sculptures traditionnelles.

Un large échantillon de cette grande production a pu être vu dans l’exposition anthologique de 2016 au Whitney Museum de New York. Avec une centaine d’œuvres choisies par l’artiste lui-même et réparties selon ses souhaits, l’exposition occupait 560 mètres carrés du splendide bâtiment construit par Renzo Piano au bord du fleuve Hudson. Là, il se souvient de sa pensée la plus connue : « La peinture n’est qu’une surface plane avec de la peinture dessus. Et rien de plus”.

Il a réfléchi à cela, avec un peu d’humour, dans cette conversation avec EL PAÍS : « La plupart des peintures que l’on voit aujourd’hui sont le résultat de Photoshop. C’est comme la photographie, la photographie manipulée. Et c’est de ce médium que proviennent de nombreuses idées pour la peinture actuelle. Quant à d’autres formes comme les installations ou les performances, elles sont également fortement influencées par le monde numérique. C’est ce qu’il y a. “Peindre avec de la peinture sur une toile n’arrive qu’à des gens comme moi, aux dinosaures.”