Jerry Lewis pour les débutants – Zenda

Charlie Chaplin a décidé de tuer Charlot de manière héroïque, en lui donnant la voix qu’il n’avait pas eue jusqu’à Le grand dictateur (Le grand dictateur, 1940) puis le confrontant à Adolf Hitler, à qui le film s’adresse avec cette conviction qu’ont parfois les artistes s’ils affrontent le Mal à travers leurs œuvres inoffensives. Sa défaite lors de la Seconde Guerre mondiale, qu’il n’a pas pu arrêter, ne l’a pas empêché de gagner la bataille, du moins dans l’histoire du cinéma, où la portée morale de son œuvre s’est accrue et Aujourd’hui encore, il nous rappelle dans son émouvant discours final qu’il existe des voix dont l’écho ne se dissipe jamais et ne se prescrit jamais. non pas parce qu’ils font appel à une vérité incontestable, mais parce qu’ils font appel au droit incontestable de dénoncer l’horreur, aussi maladroit ou sentimental que nous puissions paraître en nous révoltant contre ceux qui la commettent.

“Comme Charles Chaplin, Buster Keaton ou Jacques Tati, Jerry Lewis était un architecte d’images, comme s’il était à la fois chorégraphe et cinéaste, c’est sûrement pour cela qu’il y a très peu de ses films dans lesquels on ne le voit pas danser. .“

Jerry Lewis a beaucoup appris de Charlot, entre autres pour valoriser les possibilités de son corps et se désintéresser de ses possibilités dialectiques, toujours très proches des bavardages des petits enfants. Si Charlot a toujours été un personnage du cinéma muet, même dans Lumières de la ville (Lumières de la ville1931) et Les temps modernes (Les temps modernes1936), Jerry Lewis también puede considerarse un cómico de cine mudo, en su caso porque no permitió, desde que tuvo cierto control sobre las películas en las que intervenía y en las que luego dirigió él mismo, que las palabras tuvieran más protagonismo que les images. S’il devait parler, c’était pour dire des bêtises ; Si je devais chanter, c’était pour le faire faux.. Bien sûr, il veillait à ce que rien de tout cela ne passe inaperçu, car il ne concevait pas un seul plan, à partir d’un certain moment, où la mise en scène se déroulait sans attirer l’attention. Comme Charles Chaplin, Buster Keaton ou Jacques Tati, Jerry Lewis était un architecte d’images, comme s’il était à la fois chorégraphe et cinéaste, c’est sans doute pourquoi il y a très peu de ses films dans lesquels on ne le voit pas danser. . Ceux qui l’associent à Elvis Presley et au Rock and rollen supposant que la révolution gestuelle et corporelle de Jerry Lewis ait été un précédent pour le roi. Tous deux ont donné aux jeunes générations des années cinquante leurs nouveaux élans, synthétisés dans « le sexe, la drogue et Rock and roll». Ils ont transformé, pour ainsi dire, le corps en une arme de destruction massive, avec suffisamment d’impact pour ne pas avoir besoin de l’appui de leurs paroles. C’était pourtant ce dont avaient besoin les jeunes de l’époque, à qui s’adressaient principalement les films de Jerry Lewis en couple et seuls, et même plus tard ceux d’Elvis Presley.

De tous les comédiens de l’histoire du cinéma, Jerry Lewis est peut-être l’un des plus radicaux.. Par radical, j’entends difficile à synthétiser, à rationaliser ou à apprivoiser dans quelque sens que ce soit. Cela expliquerait, dans une certaine mesure, la haine et l’amour que son œuvre suscite encore aujourd’hui. Alors que les Américains condamnent son égocentrisme (et n’ont jamais récompensé son travail cinématographique, ils lui ont seulement décerné un Oscar d’honneur pour son action humanitaire) et la vulgarité des personnages qu’il incarne, les Français le qualifient de poète et vantent le côté le plus belliqueux de ses plaisanteries. . Les Américains le détestent parce qu’il se démarque et les Français l’aiment parce qu’il se démarque. Le premier n’aime pas son désir de notoriété et le second s’émerveille de sa capacité à occuper le devant de la scène. Les deux ont leur part de vérité. Il est cependant frappant de constater que l’humour sauvage et provocateur de Jerry Lewis a davantage d’adeptes en dehors de son pays, comme s’il ne pouvait être accepté qu’à distance, sans le comprendre pleinement. Dans son pays, cependant, on n’a jamais accueilli d’un bon oeil son zèle progressiste pour le contrôle de ses films, qu’il a commencé par jouer et qu’il a très vite commencé à écrire et à réaliser lui-même, comme si personne d’autre n’était capable de visualiser ses idées ou de les mettre en pratique. même précision.

La vérité est qu’aux États-Unis, ils n’ont jamais aimé les comédiens qui essayaient d’être trop intelligents et ceux qui essayaient d’être trop stupides non plus ; Là-bas, en matière d’humour, le juste milieu a toujours été apprécié. C’est pourquoi les comédiens trop radicaux mettent fin prématurément à leur carrière ou sont rejetés d’emblée. Jerry Lewis, par exemple, est tombé en disgrâce à partir du moment où il a commencé à prendre les choses très au sérieux., essayant de faire en sorte que ses films reflètent les aspects les plus absurdes et les plus néfastes de la société américaine : la banalité de la classe moyenne, la fièvre consumériste, la peur provoquée par le sexe ou l’addiction croissante à la télévision. On ne lui a jamais pardonné de se prendre trop au sérieux, et encore moins de vouloir faire des films à message, comme l’avait fait auparavant Charles Chaplin. Sa plus grande frustration était le film inachevé Le jour où le clown a ri (Le jour où le clown a pleuré, 1972), sur l’Holocauste juif. Il n’a jamais été achevé ni publié, bien que la Bibliothèque du Congrès en possède un exemplaire offert par Lewis lui-même avant sa mort, afin qu’il soit accessible aux futurs chercheurs. Apparemment, le projet a échoué d’abord à cause du manque de financement et ensuite, lorsque Lewis a décidé d’investir son propre argent, grâce au comédien et cinéaste, qui a apporté des modifications au scénario et a transformé le personnage qu’il jouait lui-même en un être aussi abject. insupportable: C’était un comédien sans chance ni carrière, incapable de divertir qui que ce soit, qui ne parvenait à faire rire les enfants juifs que peu de temps avant qu’ils ne soient tués dans les chambres à gaz..

Aux États-Unis, il existe de nombreux exemples de comédiens censurés ou marginalisés dès le début de leur carrière. Seulement dans le monde du cinéma, il y a quelques décennies, ils étaient Andy Kaufmann, Lenny Bruce ou Elaine May; et en ce moment ils le sont Albert Brooks, Joe Dante et même Woody Allen, qui est plus apprécié en Europe que dans son propre pays. Ils commettent tous le même péché : remettre en question leur identité et le faire en cultivant la leur de manière disproportionnée et sans préjugés. Ils veulent nous faire voir combien il est compliqué de faire la distinction entre adultes et enfants, entre stupides et intelligents, entre beaux et laids… Ils revendiquent aussi leur ego et déclarent leur rébellion contre ceux qui tentent d’écraser leur individualisme. Pour beaucoup d’entre eux, cultiver leur sens de l’humour est le seul moyen d’augmenter leur estime de soi ; Sans rire d’eux-mêmes et des autres, il leur est impossible de s’accepter. Comment ne pas le faire dans un pays où Donald Trump vient de devenir président et où le peuple et le système judiciaire semblent devoir rire de tous ses abus, crimes et incitations à la sédition, des blagues qui sont toutes très peu drôles ? Le problème, dans le cas des vrais comédiens, c’est qu’ils vont parfois trop loin et ne sont généralement pas millionnaires, comme Trump.

“Les producteurs n’aiment pas avoir affaire à des gens dotés d’un ego aussi énorme que les comédiens, qui se croient capables de transformer et de contrôler la réalité à leur guise.“

Jerry Lewis, en ce sens, a mal terminé sa carrière, avec presque aucun financement pour le diriger. Frappez fort, Jerry ! (Travailler dur1980) et Le monde fou de Jerry (Craquer1983), un peu comme ce qui est arrivé à Jacques Tati avec Zafarrancho au cirque (Arrête de, 1974). C’est le prix que doit payer tout comédien lorsqu’il devient trop méticuleux et crée des gags qui démontent la réalité, la bouleversant. Malheureusement, les gens ont peur de perdre leurs quelques biens, leurs quelques certitudes, leur faible sécurité.. Et les producteurs n’aiment pas avoir affaire à des gens dotés d’un ego aussi énorme que les comédiens, qui se croient capables de transformer et de contrôler la réalité à leur guise ; Ils croient en fait qu’ils sont plus intelligents que quiconque.

Même si les premières années de Jerry Lewis dans le show business n’ont pas été vraiment faciles, car il a dû trébucher dans des théâtres et des boîtes de nuit miteux, lorsqu’il a découvert Doyen Martin sa chance a changé. Ensemble, ils formaient l’un des couples les plus réussis de l’histoire du cinéma, même si leurs films étaient presque toujours si peu inspirés qu’à l’exception de Artistes et modèles (Artistes et modèles, 1955, Frank Tashlin), ne sont plus rappelés. Dean Martin, cependant, n’était guère intéressé par la qualité du cinéma auquel il participait tant qu’il était payé ; mais Jerry Lewis était trop perfectionniste et ambitieux pour se contenter du succès. D’où les deux hommes qui se sont affrontés, se séparant finalement après de nombreux tournages en proie aux tensions qui les opposaient. Dans les années soixante, Jerry Lewis a réalisé ses œuvres les plus importantes, dirigées par lui-même ou par Frank Tashlinl’un des rares cinéastes à avoir su faire ressortir les meilleures qualités du comédien, notamment dans je suis le père et la mère (Rock-a-Bye bébé1958), Les Cendres (Cendrillon, 1960) et Cas clinique en clinique (L’infirmier désordonné1964), un film où la main de l’élève était plus visible que celle du professeur, le talent de l’acteur était plus visible que celui du réalisateur.

“Cette méthodologie champ/contrechamp a également été appliquée par Jerry Lewis lorsqu’il se présentait dans ses films comme un individu doté d’une double personnalité.“

Les comédiens s’efforcent généralement de construire un univers formel dans chacun de leurs films, puis y pénètrent et, avec leurs méfaits, font des ravages. Si Jacques Tati a préféré mettre en scène, Jerry Lewis a préféré contraster. L’humoriste français avait une conception cinématographique héritée du cinéma muet ; et le comédien américain, qui a commencé à développer des stratégies typiques des comédiens du cinéma muet (notamment Charles Chaplin et Buster Keaton), a fini par travailler principalement avec des enregistrements télévisés, dans lesquels son corps devenait partie intégrante du message, enveloppé dans un monde d’objets et de couleurs typiques. du capitalisme de consommation, mais pas le seul message (comme au début de sa carrière, où grâce aux contorsions athlétiques de son corps et à ses babillages bruyants, il pouvait être considéré comme une sorte de libérateur de la jeunesse).

Pour une bonne partie du gags proposé par Jerry Lewis dans ses meilleurs films, Je les classerais dans la catégorie de l’humour inversé., parce que sa démarche cinématographique consiste à opposer l’attitude d’une personne à l’effet qu’elle produit sur le corps de l’humoriste. Cette méthodologie champ/contrechamp a également été appliquée par Jerry Lewis lorsqu’il s’est présenté dans ses films comme un individu à double personnalité, capable d’avoir des attitudes d’adulte et d’enfant, sécurisant et insécurisé, timide et extraverti… Le professeur fou (Le professeur noisette1963) peut être considérée, par rapport à ce qui précède, comme son œuvre la plus importante, une relecture de L’étrange cas du Dr Jekyll et de M. Hyde qui est à la fois tragique et comique, et dans lequel il est très clair que nous n’arrivons presque jamais à être ce que nous sommes vraiment, pas même ce que nous voulons être, mais plutôt un amalgame de ce que les autres veulent que nous soyons et de ce que la société nous transforme en.