María Blanchard, la grande dame de l’art malgré le cubisme et tout le reste

María Blanchard (Santander, 1881 – Paris, 1932) était une artiste avec « sa propre chambre », comme le souligne José Lebrelo, commissaire de la vaste rétrospective. Marie Blanchard. Peintre malgré le cubismeau Musée Picasso de Málaga, qui sera ouvert au public jusqu’en septembre.

Le conservateur, qui est également directeur artistique du musée de Malaga depuis des années, souligne qu’il y a plusieurs raisons pour réaliser une exposition de cette ampleur sur María Blanchard – 90 œuvres de l’auteur cantabrique sont rassemblées – et l’une d’entre elles Il s’agit sans doute de « mémoire » et d’« actualisation de la réalité de l’héritage pictural qu’il a laissé ». La dernière exposition grand format consacrée à l’artiste remonte à 12 ans au Musée national d’art Reina Sofía.

«La figure de María Blanchard a aujourd’hui des valeurs et des qualités très intéressantes. C’était une femme née à Santander, dans une famille libérale et cultivée ; mais il quitte très vite l’Espagne et s’installe à Paris à partir de 1909″, détaille-t-il. L’artiste se rend compte, selon le commissaire, que “si elle voulait être ce qu’elle ressentait et ce qu’elle croyait intellectuellement que sa carrière artistique à laquelle elle se consacrait, l’Espagne n’était pas le pays pour le faire”.

A propos de cette liberté à Paris, qui attire des artistes, des intellectuels et des passionnés de culture de toute l’Europe mais aussi des États-Unis, Gertrude Stein, riche mécène de Picasso et Matisse arrivée à Paris en 1903, disait qu’elle préférait vivre à le pays français parce que ” “Les Français sont maîtres de leur vie.” En effet, ces bouffées d’air frais parisiens constituaient une attraction folle pour de nombreux artistes désireux de trouver leur place dans le monde de l’art. Il existait à Paris un environnement moderne et avant-gardiste très propice à l’évolution d’une carrière artistique, ce que recherchait María Blanchard. C’est là, dans ces espaces encore remplis d’artistes habillés de la misère parisienne, que la native de Santander s’aligne avec l’élite artistique du moment.

Paris : expatrié et sans suivre aucun homme

Concernant ce qu’était sa vie à Paris, Lebrelo fait allusion aux concepts d’expatrié et de seule. Deux idées reprises dans le catalogue de l’exposition par Xon de Ros, professeur à l’Université d’Oxford. « María Blanchard quitte son pays, renonce en quelque sorte à sa famille et à la sécurité de la langue, elle n’a pas beaucoup de moyens financiers et, en plus, elle ne va pas à Paris pour accompagner un autre artiste masculin, ce que nous considérerions aujourd’hui. sexiste et cela, cependant, était courant chez d’autres femmes artistes de la même époque. Elle n’était la partenaire d’aucun artiste, qui était aux commandes de cette atmosphère de masculinité. “Elle défend toujours son espace et se consacre à une vie parisienne engagée et tournée vers l’art”, souligne-t-il.

Le galeriste Guillermo de Osma, lors d’une conférence au Círculo Orellana, a expliqué que María Blanchard « souffrait beaucoup avec son physique. Il avait une bosse, une malformation génétique, qui lui causait un grand désavantage physique et qui, d’une certaine manière, l’obligeait à vivre une vie célibataire, et qui était aussi la cause de sarcasmes et de chuchotements dans son dos. Il a souffert, et cela se reflète dans son art. La peinture a toujours été son refuge et elle s’y est entièrement consacrée. À propos de ce regret et de son reflet dans ses œuvres, Ramón Gómez de la Serna a déclaré qu’« elle avait le regard d’une fille, le regard chuchotant d’un oiseau avec une joie triste » ; tandis que le poète José Bergamín se souvient de son image « magique et douloureuse ».

Dès son arrivée à Paris, María Blanchard s’immerge dans l’atmosphère de Montparnasse en assistant aux rassemblements de La Rotonde soit Le dôme. Immédiatement, il commence à avoir une relation avec Juan Gris ou Pablo Picasso et s’inscrit à l’Académie Vitti, fondée par Cesare Vitti à Paris, coïncidant là avec le moderniste espagnol Hermenegildo Anglada Camarasa comme professeur. “Les femmes y avaient leur propre espace, elles entraient sans problèmes pour travailler dans cet environnement d’atelier et allaient en classe”, explique Encina Villanueva, du cycle de Femmes artistes au Prado.

Elle y rencontre Angelina Beloff, une artiste russe et compagne de Diego Rivera qui devient l’une de ses grandes amies, qui qualifie le Cantabrique de « peintre de grand talent ». Beloff raconte dans ses mémoires qu’ils sympathisaient dès le début: «Je me souviens qu’une fois, même dans l’une des tours de Notre-Dame, nous avons conclu un pacte d’amitié. María a eu un accident lorsqu’elle était enfant, elle a été déformée, sa colonne vertébrale a été déviée et elle avait une bosse dans le dos. Sa tête était admirable et ses beaux yeux reflétaient une grande intelligence. Sa vie à Paris était héroïque, il n’avait presque pas d’argent, il ne recevait qu’une petite pension grâce à une bourse de sa ville natale.

Une opinion partagée par une grande partie de ses contemporains. Rivera la dépeint comme à bosse, « il s’élevait à un peu plus d’un mètre du sol. Bien sûr, au-dessus de son corps déformé se trouvait une belle tête. Ses mains étaient aussi les plus belles mains que j’aie jamais vues.

Un peintre cubiste risqué (1913-1919)

Lebrelo, grande admiratrice de son travail, souligne à María Blanchard qu’« elle était une femme courageuse qui s’est installée sans connaître personne dans un pays inconnu, avec peu de ressources économiques, mais avec des choses très claires sur le plan artistique. Il rejoint bientôt le groupe des artistes les plus radicaux et expérimentaux, un petit groupe qui fait les choses d’une manière que personne n’avait fait jusqu’alors. C’est ainsi qu’elle devient la femme peintre la plus importante du mouvement cubiste.

De cette période, il convient de noter des œuvres telles que La dame à l’éventailune composition de caractère traditionnel réalisée à travers des plans superposés, presque comme une mosaïque, où l’on différencie le mouvement de l’éventail, composé de seulement trois formes trapézoïdales de couleur jaune.

Sa manière de peindre bouscule l’ordre établi des compositions les plus académiques, tendance dont il est très éloigné, mais qui est du goût de la critique et du public espagnol des premières années de l’époque. S XX. En 1915, María Blanchard expose à Madrid avec son grand ami Diego Rivera, – qui se trouve en Espagne grâce à une bourse du gouvernement de Veracruz dans l’atelier d’Eduardo Chicarro –, dans l’exposition collective organisée par Gómez de la Serna : Les peintres complets, qui a reçu des critiques barbares et très désagréables. “C’était la première fois que l’on voyait de l’art cubiste en Espagne, les critiques étaient féroces et très négatives”, commente De Osma lors de la conférence susmentionnée. María Blanchard n’exposera à nouveau en Espagne qu’en 1943 dans les salles de la Galerie Biosca.

“Un autre élément qui place cette artiste dans la mémoire de l’histoire de l’art est sa singularité et le risque de ses compositions cubistes”, explique Lebrero. « Même si tout cela ne lui suffit pas, elle abandonne en 1920 ce mouvement axé sur les natures mortes ou les thèmes chargés de peu de poids existentiel, pour laisser place à la troisième étape de son œuvre : le figuratif (1919-1932).

Retour à la figure humaine

«Il retrouve la représentation de l’être humain dans ses peintures. Pour être juste, il faut aussi dire que le cubisme a cessé de se vendre bien sur le marché et n’était plus à la mode. Et tout cela, bien sûr, affecte la production artistique des artistes cubistes qui en vivent également. Le facteur économique aussi et il ne faut pas avoir peur d’en parler”, commente le commissaire. Cependant, et même si la fièvre cubiste s’estompait, les œuvres signées par des auteurs cubistes masculins continuaient à être appréciées sur le marché, c’est pourquoi des marchands d’art sans scrupules effaçaient leur nom des œuvres de María Blanchard pour y mettre celui de Juan Gris : “Ils étaient. plus facile à vendre et a obtenu un prix plus élevé.

Dans cette exposition au Musée Picasso de Málaga, met en lumière La Bolognese (1922-1923), acquis par le musée du Prado, une œuvre représentant une pêcheuse en costume de fête originaire du pays gaulois de Boulogne. Le grand bonnet blanc amidonné qui couronne la figure est frappant, lui donnant solennité et force.

De son point de vue, Lebrelo défend qu’avec ce nouveau chemin, « María Blanchard devient une grande défenseure des valeurs liées à une certaine sensibilité féminine. Elle, qui était très avancée, aimait côtoyer des femmes courageuses comme elle, même si nous ne parlons pas des cercles de la musique de Joséphine Baker, qui triomphait dans les nuits des cafés de Paris, ni du cercle des intellectuels et des lesbiennes de Gertrude Stein et l’intellectualité américaine, mais de penseurs internationaux et nationaux, comme ce fut le cas de Concha Espina.

En fait, l’une des premières œuvres de María Blanchard appartenait à l’écrivain : Nymphes enchaînant Silène (1910), tableau pour lequel il reçoit la Médaille de Deuxième Classe à l’Exposition Nationale des Beaux-Arts. À propos de cette œuvre, Villanueva raconte une anecdote à ce sujet : « María est arrivée chez l’écrivain, d’une voix fine et quelque peu affligée, en disant : ‘Conchita, je t’ai envoyé ce mamotreto pour que tu puisses le garder au sous-sol si par hasard tu as la clé. Sinon, laissez le chiffonnier s’en charger. Ce à quoi La Concha Espina a répondu : « María, j’ai la clé sans hasard, mais le tableau est beau et il n’ira pas au sous-sol. Ne dis pas de choses folles.

La présence de Le Communiant

L’une des œuvres conservées au Musée Picasso de Málaga est Le Communiant (1914), tableau très particulier qu’il commence à peindre en 1914 et termine en 1920, exposé au Salon des Indépendants avec un succès critique et public, et acheté par le célèbre collectionneur d’art Paul Rosenberg.

Sur la toile, une fille est représentée Première communion qui semble suspendu dans les airs, à côté d’un agenouilleur, d’un autel et d’une partie céleste, représentée par quatre anges. “Aujourd’hui le Première communion Cela ressemble à un sujet folklorique, mais à cette époque, c’était quelque chose de très important”, explique Lebrelo.

«C’est une fille qui se rapproche chaque jour de l’adolescence et de l’âge adulte. Il peint cette femme communicante comme austère et très différente de la candeur des autres représentations. Nous savons que Picasso a également peint les premières communions, mais elles n’ont ni la force ni la charge existentielle de la peinture de María Blanchard”, conclut le conservateur.

Une femme avec son propre espace

D’un point de vue personnel, apparemment, raconte Lebrelo, María Blanchard était « une femme qui ne parlait pas beaucoup dans les réunions, c’était une personne qui avait tendance à écouter davantage. Je dirais que ses peintures sont le langage dont elle dispose pour revendiquer sa propre place. Cela représente cette idée de Une chambre à vous, de Virginia Woolf, ce livre dans lequel elle disait que les femmes devraient avoir de l’espace et de l’argent pour pouvoir bien écrire. Cela arrive aussi à Blanchard, même si, bon, elle n’avait pas beaucoup d’argent ; mais ça a ça ma chambre qui est son art, et je dirais que c’est sa propre caractéristique. Et c’est là, dans cet espace, qu’il développe une œuvre qui ne se plie pas aux modes. “Elle suit son propre chemin et se débrouille toute seule.”

Elle défend qu’elle est « une femme qui peut être admirée et regardée, qui a de l’indépendance et de la liberté, à une époque où les femmes ne sont que des muses ou des compagnes, et utilisées pour peindre des thèmes secondaires ou décoratifs. “Elle peint des migrants, des femmes âgées ou des espaces domestiques, où la cuisine, la broderie ou le soin des enfants sont les protagonistes.”

Dans sa dernière étape, dit le commissaire, María Blanchard « devient très religieuse, elle veut même être religieuse, même si finalement elle ne le poursuit pas. Je ne crois en aucun cas que ce retour soit à un catholicisme minable ou réactionnaire, mais plutôt un retour au spirituel et à l’intimité du foyer comme espace de quiétude et de réflexion. Une spiritualité typique d’une femme moderne, pas de quelqu’un qui cherche Dieu dans le passé.

María Blanchard est décédée de la tuberculose en 1932 à Paris, la ville française qui l’a accueillie et surtout qui l’a comprise. Un article de L’Intransigeant » mentionne l’art cantabrique, définissant son art comme « puissant, fait d’amour passionné pour le métier, l’un des plus authentiques et significatifs de son époque ».

@MaríaVillardón