Iñaki Rikarte, le metteur en scène qui transforme tout en or | Culture

Le nom d’Iñaki Rikarte est sur toutes les lèvres du monde du théâtre espagnol. Tout ce qu’il réalise se transforme en or, ses œuvres tombent amoureuses du public et de la critique et il remporte cette saison les principaux prix du secteur. Lors des récents prix Talía, décernés par l’Académie des Arts du Spectacle, il a été sacré meilleur réalisateur pour pour toujours, un émouvant spectacle de masques sans paroles de la troupe Kulunka. Aux Godot, prix de la critique madrilène organisés par la revue du même nom, il obtient la même distinction pour Le monstre des jardins, de Calderón de la Barca, créé il y a trois mois avec la Compagnie Nationale de Théâtre Classique (CNTC). Mais lundi prochain, il pourrait également recevoir deux prix Max, prix de référence sur la scène nationale, qui seront décernés à Tenerife : meilleure mise en scène et meilleure co-auteur théâtrale pour Pour toujours. Ils rejoindraient celui qui a gagné en 2023 pour Supernormal, une production surprenante du Centre Dramatique National (CDN) sur la vie sexuelle des personnes handicapées.

Tout cela a explosé ces deux dernières années, mais Rikarte est sur scène depuis plus de deux décennies. Né à Vitoria il y a 43 ans, il a commencé à travailler comme acteur dans des pièces du CDN, du CNTC ou de la compagnie basque Tanttaka. Mais en parallèle, il se lance comme réalisateur dans différents groupes d’Euskadi, principalement Kulunka. En 2020, il a été finaliste au Max de la meilleure réalisation pour Dédain avec dédain, de Lope de Vega, dans une autre production CNTC. Depuis, il n’a jamais arrêté : quatre productions totalement différentes et à succès en quatre ans. A-t-il trouvé la formule secrète du succès ? Celui-ci sourit : « Il n’y a pas de recette. Chaque spectacle nécessite un processus différent et je ne peux pas garantir que le suivant fonctionnera. Mais il y a peut-être quelque chose de commun que je propose à tout le monde : que le public le comprenne et l’apprécie.

Nous sommes au Théâtre de la Comédie de Madrid, siège du CNTC, où se déroule la représentation de Le monstre des jardins. Les représentations sont déjà terminées, mais elles seront reprises au Festival d’Almagro du 19 au 28 juillet. Il s’agit d’une comédie mythologique de Calderón de la Barca, peu représentée en raison de son anachronisme et de sa difficulté : dieux, nymphes, oracles, le héros Achille et la guerre de Troie en arrière-plan. Tout cela en vers de l’âge d’or. Comment accrocher le public du 21e siècle avec ces ingrédients ? « Le réalisme ne marche pas avec les classiques, notamment parce que les personnages ne parlent pas normalement. On ne peut donc pas essayer de faire de quelque chose de quotidien quelque chose qui ne l’est pas, il faut trouver un code pour que ces mots soient crédibles dans la performance. C’est ce que je veux dire quand je dis que je veux que le spectateur le comprenne », répond Rikarte.

Il a trouvé le code après avoir réfléchi à plusieurs reprises à la question : de quoi s’agit-il réellement ? « C’est l’histoire d’un recrutement forcé. Achille est amoureux et ne veut pas faire la guerre, mais les forces de l’État agissent de telle manière qu’il ne peut l’éviter. Ils le manipulent. Il pourrait s’agir d’un jeune Russe qui vit dans un village où passe le bus militaire qui l’emmène. Ou un Ukrainien, un Israélien, un Palestinien. La destination, c’est l’État», réfléchit le réalisateur.

Dans sa mise en scène, Rikarte ne fait allusion à aucune des guerres actuelles, mais joue plutôt avec l’imaginaire espagnol pour transformer la scène en un espace métaphorique avec des signes facilement identifiables : légionnaires, gardes civils, processions et vierges qui sont comme des oracles contemporains. Une fête dans laquelle rien n’est gratuit car dès la première minute toutes les conventions de la réalité explosent. « Si Calderón a fait de sa cape une robe avec le mythe, pourquoi n’allons-nous pas le faire ? C’est à cela que servent les mythes : pour que nous puissions les reconstruire et les utiliser pour expliquer qui nous sommes aujourd’hui », résume Rikarte. L’histoire du théâtre occidental est l’histoire d’une éternelle réécriture.

Avec la même question à laquelle il a été confronté Surnormal, le spectacle pour lequel il a remporté le Max l’année dernière. Écrite par Esther F. Carrodeguas, l’œuvre est une succession d’histoires entrelacées par un personnage qui propose une assistance sexuelle à des personnes présentant une diversité fonctionnelle, avec une distribution mixte d’acteurs avec et sans handicap. « J’étais perdu, c’était un monde totalement inconnu pour moi et le texte est brutal, sans tabous. Jusqu’au jour où j’ai trouvé la clé en regardant avec mon fils comment certains jardiniers travaillaient dans un belvédère à Madrid. Parmi eux se trouvaient des personnes handicapées et cela ressemblait à l’image idyllique de l’intégration : le ciel bleu, ces gens qui plantaient des fleurs, tout le monde en uniforme. Mais tout à coup, je me suis demandé : est-ce vraiment idyllique ? Qu’y a-t-il sous cette image ? », se souvient Rikarte. La traduction scénique de cette question était la suivante : un jardin à la française parfaitement taillé s’élève, disparaît et en contrebas reste un garçon handicapé se masturbant sur un lit.

C’est peut-être là la formule secrète de Rikarte : sa capacité à condenser l’essence d’une scène en une image qui se connecte directement à la sensibilité contemporaine. Ou peut-être a-t-il développé cette compétence au cours de ses nombreuses années de travail avec la compagnie Kulunka, spécialisée dans le théâtre de masques sans paroles. Il n’y a pas d’autre choix que de s’appuyer sur le langage visuel. « Par exemple, vous voyez une mère montrer à son fils des photographies qu’elle sort d’une boîte en fer blanc et vous comprenez qu’elle lui raconte quelque chose de son histoire. Même si les personnages ne parlent pas ou si vous ne comprenez pas bien ce que disent les vers de Calderón. La situation est au cœur du théâtre », clame-t-il.

Avec Kulunka, fondée en 2010 par Garbiñe Insausti et José Dault, il crée la même année en réalisant André et Dorine, un couple de personnes âgées qui sombre dans l’apathie puis dans la maladie d’Alzheimer. Le spectacle a été cathartique et a tellement plu qu’il est encore joué dans le monde entier : ils ont déjà atteint 30 pays. Alors ils viendraient Quitamiedos, Solitudes, Edith Piaf, Hegoak et Forever.

Reste une question, la plus difficile à ce jour : comment faire pour plaire à la fois au public et à la critique ? Rikarte hausse les épaules et répond par une autre question : « La critique ne concerne-t-elle pas aussi le public ? Mais il n’évite pas le sujet : « Je ne me considère pas comme un réalisateur d’avant-garde, dans le sens où mon objectif n’est pas d’expérimenter ou de surprendre avec des innovations. Mais j’utilise les langages scéniques contemporains et tout ce qui peut m’aider dans chaque spectacle. Il s’agit peut-être simplement de les utiliser de manière judicieuse. »