Icône du Swinging London des années 60, référence du cinéma d’auteur le plus enragé une décennie plus tard, L’actrice britannique Charlotte Rampling Il n’a cessé d’apparaître sur grand écran tout au long d’une carrière qui fêtera ses soixante ans en 2024. D’une petite apparition en tant que danseuse dans Crépuscule d’une journée bien remplie (1964), le célèbre et gracieux véhicule cinématographique des Beatles, en passant par des rôles consacrés dans La chute des dieux (1969), de Luchino Visconti, et surtout veilleur de nuit (1974), de Liliana Cavani, aux rôles plus récents dans les longs métrages de François Ozon (La piscine), Lars von Trier (Mélancolie) et Paul Verhoeven (Benedetta), la présence toujours puissante et souvent mystérieuse et ambiguë de Rampling a été un pôle d’attraction pour des cinéastes d’horizons et de sensibilités les plus divers. Ces dernières années, fidèle à un style qui ne s’est jamais ancré dans un seul format de production, l’actrice né dans l’Essex en 1946 Il participe à de grandes productions comme le diptyque Duneréalisé par le Canadien Denis Villeneuve, et des films indépendants comme La matriarchedu Néo-Zélandais Matthew J. Saville, un film qui fera sa première commerciale locale ce jeudi 4 juillet.
Dans La matriarche, Rampling incarne une Britannique d’environ 70 ans qui, après un accident qui l’a laissée temporairement confinée dans un fauteuil roulant, se rend en Nouvelle-Zélande pour passer du temps avec son fils, avec qui elle n’a pas les meilleures relations, et un. Petit-fils de 18 ans qu’il ne connaît pas du tout. La relation tendue, voire violente, entre Ruth – une ancienne photographe de guerre qui passe désormais ses journées à boire du gin réduit avec de l’eau et du citron – et l’adolescent Sam (George Ferrier), dont le chagrin après la mort de sa mère continue de marquer son existence, est le point de départ d’un film qui suit des chemins familiers, bien qu’avec une modestie pas trop courante dans ce type d’histoires, ainsi qu’un sens de l’humour particulier. Avant le titre local La matriarchequi remplace l’original Genévrier («genévrier» en anglais), Rampling réagit dans le bon sens. “Bon, Genévrier C’est un titre étrange, qui nécessite quelques explications. Je crois que La matriarche C’est bien aussi”.
Au-delà d’être basé sur les expériences réelles du cinéaste Matthew J. Savillele rôle de Ruth semble avoir été taillé sur mesure pour Charlotte Rampling, dont la filmographie est traversée par des personnages forts, tantôt glacés, tantôt passionnés, une marque de style personnelle que l’actrice a su cultiver tout au long de sa carrière. Lors d’une communication téléphonique exclusive avec Page 12 originaire de Paris, où elle a longtemps vécu, la protagoniste de Max, Mon Amour répondre avec une gentillesse et un sens de l’humour qui semblent être à l’opposé de son caractère. « J’ai reçu le scénario, comme c’est habituellement le cas, par l’intermédiaire de mon agent, et j’ai trouvé l’histoire simple et vraiment belle, même si le personnage de la grand-mère était un peu plus âgé que moi, environ dix ans de plus. Je pensais que ce détail et quelques autres choses nécessitaient un peu de travail, alors j’ai contacté Matthew et lui ai demandé s’il serait prêt à en parler. Parlons un peu du personnage. La vérité est que je ne savais pas si cela faisait partie de son idée, mais il a immédiatement dit oui et est venu de Nouvelle-Zélande avec son producteur pour nous rencontrer. Ce furent trois jours de travail, une expérience merveilleuse. C’était aussi une façon de mieux connaître Matthew. L’un des grands changements a été que le personnage est passé d’environ 80 ans à environ 70 ans. Il semblait plus approprié de le jouer si son âge était plus proche du mien à l’époque.
-L’âge était-il le seul changement ou y avait-il d’autres variations dans le personnage ?
-On a pas mal changé le personnage, sa façon d’être, quelques dialogues. J’imagine qu’il ne doit pas être facile pour un jeune homme comme Matthew, âgé d’environ 40 ans, d’imaginer comment une femme plus âgée pourrait réagir dans des circonstances comme celles que traverse le personnage de Ruth. C’est vraiment bien quand ce genre de collaborations se produisent avec un réalisateur, surtout un jeune réalisateur. C’était très satisfaisant d’avoir pu travailler de cette façon. J’adore écrire et je n’ai jamais arrêté de le faire, c’est donc un domaine avec lequel je me sens très proche.
-À un certain moment de l’histoire, Sam demande à Ruth ce qu’elle pense de la Nouvelle-Zélande. Pourriez-vous répondre à la même question, sachant que votre relation avec ce pays n’est pas nouvelle ?
-C’est vrai. Avant le tournage La matriarche Il s’était rendu trois fois en Nouvelle-Zélande. Mon premier mari est né là-bas et mon fils Barnaby, aujourd’hui dans la cinquantaine, est à moitié néo-zélandais. En ce sens, je dois dire qu’il s’est passé quelque chose de bien lié à l’idée de famille. Je veux dire, l’histoire du film parle d’une famille et y retourner me semblait aussi assez familier. L’équipe était entièrement composée de Néo-Zélandais, la seule exception était moi.
-Comment s’est passé votre travail d’acteur avec le jeune acteur George Ferrier ? Pour que l’histoire fonctionne, il était essentiel qu’il y ait une certaine alchimie entre les personnages et, bien sûr, les interprètes.
-C’est quelque chose d’habituel : le casting d’un film est vraiment très important, même si on ne sait jamais si cette alchimie entre les personnages va se produire. Parfois, cela n’arrive pas et c’est toujours une déception, mais je pense qu’en La matriarche ça a très bien fonctionné. Avant le tournage, nous avons parlé avec George au téléphone et il m’a même écrit quelques lettres. Il était très flexible et souhaitait vraiment se développer en tant qu’acteur à travers un personnage comme celui-ci. Je pense que ce fut une belle expérience pour lui et moi.
-L’un des éléments les plus importants dans la construction du ton du film est qu’il évite les excès d’émotivité. Quelque chose que l’on ne ressent généralement pas dans les films sur les personnes âgées, leurs familles et la proximité de la mort, qui frisent souvent ou tombent complètement dans la sentimentalité.
-Je sais, je sais, je sais. Exactement. C’est ce qui m’a plu dès le début dans le scénario : qu’il ne mette pas au premier plan les émotions, mais qu’il finisse par vous y emmener.
-Il y a une scène précoce et absolument inattendue, qui comprend un verre et un coup bien ciblé, et qui laisse présager un sens de l’humour particulier.
-Oui oui (rire). C’est le personnage. Ruth est vraiment une personne stimulante, comme cela pourrait arriver dans la vraie vie. C’est une façon de dire au petit-enfant : « Comment vas-tu apprendre à te comporter avec moi ? Au début, les deux personnages s’en veulent ; Ils ne se connaissent pas du tout. En fait, c’est le premier véritable contact entre les deux, entre ce jeune homme de 18 ans et sa grand-mère de 70 ans. Le scénario indiquait clairement que Sam devait se tenir devant Ruth ; C’est le point de départ. Ce sont des personnages qui agissent avec le cœur, avec les tripes. En même temps, il y a quelque chose de minimaliste dans l’approche de l’histoire, depuis le scénario jusqu’à la mise en scène. En ce sens, puisque nous avons essentiellement un seul lieu – la maison où se déroule l’histoire – il était très important que nous puissions tourner le film de manière chronologique. Cela a permis aux changements dans les personnages et dans la relation entre eux de se produire d’une manière beaucoup plus naturelle ; cette chose de ressentiment au début, et comment cela change au fil des jours et des semaines.
– Était-ce un long tournage ?
-Le tournage des films indépendants est de plus en plus court, mais dans ce cas, il a duré huit semaines au total, ce qui est beaucoup de nos jours. L’inverse se produit avec les séries : elles deviennent de plus en plus rapides.
-Êtes-vous intéressé à alterner des petits films comme La matriarche avec des superproductions comme Dune?
-C’est un sujet intéressant, car un film comme Dune attire un grand nombre de jeunes téléspectateurs. Et c’est un très bon film mais, en même temps, il a une composante philosophique, au-delà des affrontements et des batailles. Denis Villeneuve a une sensibilité poétique lorsqu’il s’agit d’aborder les films à gros budget. Au-delà du spectacle, il y a toujours quelque chose d’intime. Personnellement, je pense que c’est un bon moyen de toucher un nouveau public de masse qui ne me connaissait pas en tant qu’actrice auparavant. Des gens sont venus me voir et m’ont dit qu’ils étaient intéressés à voir d’autres films dans lesquels j’avais joué. Pour un jeune spectateur, c’est bien, car cela peut le rapprocher d’un type de cinéma qu’il ne connaissait pas et ne pas se contenter de ce qui sort chaque semaine. Autrement dit, s’éloigner un peu des sorties commerciales massives et se rapprocher davantage du cinéma d’auteur. Découvrez de nouvelles façons de voir, de ressentir, de transmettre des émotions à travers le cinéma.
-Le premier projet d’adaptation de Dune, qui n’a jamais été réalisé, a été réalisé par Alejandro Jodorowsky, et il allait y jouer un rôle important. Finalement, il réussit à participer à une autre version, bien que plusieurs décennies plus tard.
-Je suppose que c’était censé arriver : j’ai finalement pu jouer un rôle dans Dune! (rire) Même si c’était celui d’une femme plus âgée. J’ai toujours pensé que c’était un livre très puissant, depuis que je l’ai lu dans les années 1970.
-Au-delà des cinéastes habituellement cités pour décrire sa carrière, comme Luchino Visconti et Liliana Cavani, il a travaillé avec des cinéastes du monde entier, très différents les uns des autres. Comprenez-vous que c’est quelque chose d’essentiel ?
-Oui, oui, je travaille avec des personnes très différentes et issues d’horizons divers. C’est quelque chose qui m’a toujours intéressé : différents pays, différentes cultures, différentes philosophies. Au fond, c’est ce qui m’a toujours intéressé dans le cinéma, quelque chose qui implique d’essayer différentes manières de vivre.
-Qu’est-ce qui a changé pour le meilleur et pour le pire dans le monde du cinéma depuis que vous avez commencé à jouer ?
-La chose centrale, comme je l’ai déjà dit, c’est le temps. Avant, nous avions beaucoup plus de temps. Désormais, les films sont réalisés plus rapidement, même s’il existe également des cas comme celui de La matriarche, où il n’était pas nécessaire de courir. Il y a cependant quelque chose de positif là-dedans, qui a commencé à se produire avec l’apparition du numérique, qui rend tout plus rapide. Il est également possible de filmer beaucoup plus de matière. Mais en termes strictement agissants, je pense qu’il n’y a rien d’essentiel qui ait trop changé. Je veux dire, rien de pertinent n’a disparu du processus créatif. La seule chose que je crois, c’est que le film, support analogique, est plus beau que le numérique. Grâce à divers procédés, il est possible de faire ressembler le numérique à un film, mais ce n’est pas la même chose. Peut-être qu’il y a aussi quelque chose de nostalgique à manquer le 35 mm. Et ces énormes et lourdes caméras, et ces grandes lumières. Il est désormais possible de réaliser un film avec un petit appareil photo ou même un téléphone. Mais finalement cela ne change pas grand-chose au résultat : le film lui-même. Il existe encore des gens qui savent utiliser les outils cinématographiques pour raconter une histoire et toucher les fibres émotionnelles du spectateur. Heureusement, il y a encore des gens qui font de grands films.
Avant de lui dire au revoir, Charlotte Rampling, véritable matriarche du cinéma international, lui dit au revoir avec un message “Je suis très heureuse d’avoir eu cette conversation et celle La matriarche est enfin sorti en Argentine. C’est un film qui existe depuis quelques années maintenant, mais mieux vaut tard que jamais. J’ai de la famille en Argentine et j’espère qu’ils apprécieront beaucoup.
