Tout le plaisir est pour moidirigée par Sacha Amaralsort en salles en juin, après avoir reçu le premier prix de la 25e édition du Festival international du film indépendant de Buenos Aires (BAFICI), ainsi que le prix du meilleur long métrage latino-américain décerné par Fayçal et le prix de l’Innovation Artistique de l’Association des Réalisateurs de Films PCI. Cette production aborde le complexités des liens familiauxse concentrant sur une histoire personnelle du réalisateur.
Il s’agit d’une coproduction entre Argentine, Brésil et FranceProtagonisée par Max Suen, Katja Alemann, Sofía Palomino, Luciano Suardi et Anabella Bacigalupo. Le récit se concentre sur Antonio, un jeune homme de 20 ans qui vit une relation conflictuelle avec sa mère. Antonio se consacre à la vente de marijuana et profite des personnes qu’il rencontre sur des applications pour leur voler de l’argent. L’urgence croissante de fuir les conduit à un aller simple vers le sud du pays.
Selon les mots du réalisateur Sacha Amaral, “le film aborde l’échec du projet familial de manière poétique et critique.” Amaral a mentionné que le film est une manière de revisiter et de rendre visibles dans la fiction les événements que lui et sa mère ont niés dans le passé. « L’une des tâches du cinéma est d’éclairer les zones sombres. “Avec la lumière des images cinématographiques, il est possible de briser les ténèbres qui pèsent sur le passé.”Amaral a expliqué.
Le réalisateur a partagé une anecdote personnelle qui a inspiré une partie de l’intrigue. Alors qu’elle avait 16 ans, sa mère la convainquit de suivre son petit ami, de 15 ans son cadet, pour découvrir s’il était infidèle. “Quand elle m’a demandé si j’avais découvert quelque chose, je me souviens que pour la première fois je me sentais plus fort, j’avais plus de pouvoir.”, a déclaré le directeur. Cette expérience a marqué la narration du film, qui explore la dépendance et l’amour proche de la folie.
Par ailleurs, Amaral a souligné l’importance de filmer l’espace domestique en relation avec la solitude, en utilisant des cadrages et des sons inhabituels pour générer un sentiment d’inconfort. “J’ai recherché à travers les situations, les cadres découpés de manière inhabituelle et l’utilisation du son, un certain inconfort indéfinissable pour le spectateur”a-t-il commenté.
Antonio, le protagoniste, vit son quotidien sans grandes aspirations, perdu dans sa réalité. Les conflits familiaux se manifestent imperceptiblement tout au long du film, atteignant un apogée finale qui permet le début d’une nouvelle étape de sa vie. « Dans cette histoire, les conflits et les blessures familiales existent comme une érosion imperceptible. »dit Amaral.
Il s’agit du premier travail d’Amaral en tant que réalisateur de long métrage, mais pas de sa première expérience cinématographique. Son premier long métrage en tant que scénariste, Adieu l’enthousiasme, créé à la Berlinale 2017, remporté au FICCI (Cartagena) et au BAFICI 2017 (Buenos Aires). Il a également réalisé des courts métrages tels que Grands sont les désertsqui faisait partie de la compétition de courts métrages BAFICI 2019 et en Cinélatino (Toulouse)et Billy Boysélectionné au Festival de Cannes 2021 et dans plusieurs autres festivals.
Amaral a expliqué son approche visuelle et narrative dans Tout le plaisir est pour moi je recherche un style intuitif avec une caméra douce mais mobile qui suit les gestes et les mouvements désinvoltes des acteurs. Selon le directeur, “Je ne m’intéresse pas aux artifices visuels à la manière des grosses machines ou à l’utilisation de lentilles qui embellissent l’image”.
—Comment se déroule l’histoire avec ce protagoniste particulier ?
—L’histoire naît du désir d’explorer les émotions et l’éducation sentimentale, des thèmes liés à l’affection, au désir et à l’amour. Cependant, j’ai réalisé que ce n’était tout simplement pas suffisant pour construire un film ou une narration solide. Je n’avais qu’un personnage de 20 ans en proie à des émotions, ce que je trouvais intéressant mais en même temps un peu ennuyeux, car il manquait de profondeur au-delà de ses divagations amoureuses. C’est alors que j’ai commencé à réfléchir sur des problématiques théoriques et sur la construction des personnages. C’est ainsi qu’est née l’idée de transgression. J’ai trouvé fascinant de penser à un personnage de traître peu fiable, mythomane ; un anti-héros. Ces histoires sont nées d’expériences personnelles et d’écoutes d’autrui, ainsi que de l’effervescence de la ville ces dernières années. Le point central de tout cela était l’idée de transgression.
—Cependant, sa personnalité finit par présenter des traits charmants qui génèrent de la sympathie chez le spectateur…
—Cet aspect a aussi été un défi dans la création de ce personnage. Une partie de ma stratégie consistait à trouver un acteur capable de compléter certaines caractéristiques qui n’étaient pas aussi présentes dans le texte. Dans le scénario, le personnage n’était pas si attachant à cause de ses actions, donc je savais qu’il faudrait le compléter par un acteur capable de transmettre quelque chose de différent. Après avoir parlé à de nombreuses personnes qui ont vu le film, cet effet s’est réellement produit : on finit par ressentir de l’affection pour le personnage au-delà de ses actions. Je pense qu’une grande partie du mérite revient à l’acteur, Max Suen, qui a réussi à capturer magistralement la dualité et la complexité du personnage, à la fois maléfique et séduisant.
—Comment s’est déroulé le processus de recherche du protagoniste ?
—Je connaissais tous les personnages sauf le protagoniste. J’en ai décrit certains pendant que j’écrivais, notamment des amis et des acteurs qui avaient collaboré avec moi sur des œuvres précédentes, comme Katja Alemann, avec qui ce projet marque notre troisième collaboration. J’ai la chance d’avoir des acteurs qui m’accompagnent depuis longtemps. Cependant, je n’avais toujours pas le protagoniste en tête. Quand j’ai terminé le scénario et commencé à le partager, beaucoup de gens ont commencé à mentionner Max. Il était bien connu dans le domaine théâtral, ayant participé à diverses pièces de théâtre et restant sur l’affiche du Teatro Porteño au cours des deux ou trois dernières années. J’ai décidé de le contacter. Après lui avoir envoyé le scénario, nous avons convenu de nous rencontrer. Dès l’instant où je l’ai vu arriver, j’ai su que ce devait être lui. Son visage semblait parfait pour le personnage, comme s’il était destiné à le jouer. Au début, il y a eu quelques difficultés avec les dates de tournage, car elles ne coïncidaient pas avec son planning, mais il était tellement convaincu que c’était lui que nous avons décidé de reporter le tournage de presque un an pour pouvoir travailler ensemble.
— Et son choix a-t-il changé quelque chose dans ce personnage ?
— Je ne dirais pas que cela l’a changé, mais plutôt que cela l’a complété ; Il y ajoute une dimension plus humaine, un charisme qui permet au spectateur de se connecter et de s’attacher à lui. Cette réussite est due à Max et à Sofía Palomino, qui ont joué un rôle crucial dans la direction des acteurs. Nous avons passé un an à répéter le film, à peaufiner le personnage jusqu’à trouver l’équilibre parfait.
—En parlant de l’approfondissement des personnages, le rôle de Katja en tant que mère est fondamental pour comprendre le protagoniste.
— C’est vrai, on pourrait essayer de comprendre de manière basique qu’elle reproduit dans une certaine mesure sa relation maternelle avec les autres. Sa mère le trompe et lui ment, ce qu’on pourrait dire qu’il a appris à la maison. Travailler avec Katja a été extrêmement positif. Tout d’abord, nous avions déjà collaboré. Elle a joué dans mon premier court métrage il y a quelques années, jouant également le rôle d’une mère qui a été libérée de prison pour retrouver ses enfants. Katja est une femme qui a connu le rock et les milieux d’avant-garde, elle avait donc déjà quelque chose dans son attitude qui correspondait très bien au rôle. C’est un type de personnage que j’avais imaginé, avec un côté très affectueux et attachant, mais aussi avec un côté sombre, et je sens qu’elle a parfaitement compris ce que je voulais transmettre. C’est une actrice très expérimentée et généreuse et ce fut un plaisir de travailler avec elle.
—Comment c’était d’aborder le sujet de la sexualité ? J’avais lu quelques interviews avec vous où il était question de savoir si le film pouvait être classé comme faisant partie du cinéma LGBTQ+. Vous semblez suggérer que ce n’était pas le but. Quelle a été votre approche ?
— S’il fallait lui attribuer une étiquette ou un genre, je pense que le film s’inscrit davantage dans le cinéma queer qui dialogue avec l’époque actuelle. La sexualité est un sujet en constante évolution. Je voulais que le personnage principal et l’histoire abordent quelque chose qui transcende les étiquettes. Je voulais rompre avec l’idée d’avoir un profil défini, quelque chose qui a beaucoup émergé ces dernières années avec les réseaux sociaux, où les gens décrivent qui ils sont et ce qu’ils aiment. En fusionnant toutes ces sensations, un personnage est apparu dépourvu de ces étiquettes, et le film ne se soucie pas non plus trop d’analyser cette sexualité ou de juger les relations.
—Comment avez-vous abordé la représentation de la ville comme autre personnage du film, avec autant de scènes extérieures ?
—La première image qui est apparue lorsque j’ai commencé à réfléchir à cela était celle d’un personnage dormant sur des carrés, incapable de se reposer chez lui. Même si cette idée a fini par être secondaire par rapport à l’intrigue, je crois qu’elle est à l’origine de la notion de marginalité, d’un personnage petit-bourgeois marginal qui devient un criminel. J’ai senti que ses déplacements constants dans la ville, sans lieu de résidence fixe, complétaient son caractère. Il était surprenant de voir comment, dans les conversations qui ont suivi le film, le rôle de la ville était mis en avant comme un personnage à part entière, avec une présence puissante dans l’intrigue. J’étais heureux de cela, car au début je pensais que cela devrait être ainsi, mais à mesure que le film avançait, mes préoccupations se sont davantage portées sur les relations et les liens entre les personnages. Que la ville soit devenue un autre personnage me remplit de joie et me rappelle ces premiers éclairs d’idées qui étaient présents dès le début.
—Quelle est l’expérience du tournage de fiction avec un budget limité ou de manière indépendante, de votre point de vue ?
—Cela fait presque 20 ans que je vis en Argentine. Auparavant, il avait réalisé quatre courts métrages avec des moyens très limités, adoptant une approche très collaborative où les hiérarchies se diluent et où chacun participe à tout, une expérience quasi guérilla dans la production cinématographique. J’ai eu la chance de travailler avec des gens extraordinaires, comme Agustín Gagliardi de Cinéma doux, qui était le producteur argentin du film. Il savait gérer efficacement les ressources disponibles et profiter des relations pour troquer et promouvoir la production. J’ai trouvé une équipe qui m’a soutenu et m’a aidé à réaliser le projet de manière exemplaire.
Cependant, nous sommes actuellement confrontés à des attaques et à des disqualifications constantes à l’égard de la culture, ce qui complique encore davantage la situation. Il y a toujours eu des obstacles à la réussite artistique, mais il semble qu’il faille désormais jongler pour surmonter ces barrières. Je ne peux même pas imaginer ce que ce serait de tourner un film à Buenos Aires en ce moment, surtout avec un petit budget. Malgré la crise actuelle, qui est peut-être la plus grave depuis mon arrivée dans le pays, je constate une admirable résistance en Argentine et dans d’autres pays d’Amérique latine face à ces adversités. Même si faire des films est plus difficile, je crois que l’envie et la détermination peuvent déplacer des montagnes. Il est dommage que quelque chose qui est déjà complexe le devienne compliqué, mais nous trouverons toujours un moyen d’avancer.
* Tout le plaisir est pour moi Il est projeté tous les samedis du mois de juin à 19h. au Cine Cacodelphia (Avenida Roque Sáenz Peña 1150, CABA).
